Cécile B. Evans | Exposition Coming Soon
Cécile B. Evans est un·e artiste américano-belge qui vit et travaille à Saint-Denis.
L'œuvre d'Evans examine la valeur de l'émotion et de sa rébellion au contact de structures idéologiques, physiques et technologiques. Iel travaille actuellement sur une nouvelle commande de performance pour le festival MOVE au Centre Pompidou Paris (FR).
Parmi les expositions individuelles récemment sélectionnées, citons 49 Nord 6 Est - Frac Lorraine (FR), Museum Abteiberg (DE), Tramway (UK), Chateau Shatto (US), Museo Madre (IT), mumok Vienna (AT), Castello di Rivoli (IT), Galerie Emanuel Layr, Vienne (AT), Tate Liverpool (UK), Kunsthalle Aarhus (DK), M Museum Leuven (BE), De Hallen Haarlem (NL), et Serpentine Galleries (UK).
Le travail d'Evans a été présenté, entre autres, à Lafayette Anticipations (FR), à la Whitechapel Gallery (UK), à la Haus der Kunst (DE), à la Mito Art Tower (JP), à la Renaissance Society Chicago (US), à la 7e Biennale internationale de Moscou (RU) et à la 4e Biennale industrielle de l'Oural (RU), Galerie Kamel Mennour (FR), Louisiana Museum of Modern Art, Copenhague (DK), 9e Biennale de Berlin (DE), 20e Biennale de Sydney (AUS), Fundació Joan Miró, Barcelone (ES), et Musée d'Art Moderne de Paris (FR).
Les films d'Evans ont été projetés dans des festivals tels que le New York Film Festival et le Rotterdam International. Les collections publiques comprennent le Museum of Modern Art, New York (US), la Rubell Family Collection, Miami (US), le Whitney Museum of American Art (US), De Haallen (NL), le Castello di Rivoli, Turin (IT), le Louisiana Museum of Modern Art, Copenhague (DK) et le FRAC Auvergne (FR).
Transcription
Bonjour. Je m'appelle Cécile B. Evans et je réalise principalement des films installés,mais cela englobe les collages, des installations vidéo, des sculptures et des performances. Mais tout tourne toujours autour de ce moment où nos sentiments ou nos émotions entrent en contact avec les structures qui sont censées contenir notre vie quotidienne. Cela peut donc être idéologique, technologique ou physique. La raison pour laquelle je m'intéresse à ce point de contact est que, même si ces structures ont pour but de nous contenir et de faire en sorte que nous nous intégrions à elles, souvent nos émotions se rebellent lorsqu'elles sont mises en contact avec elles. C'est cette rébellion qui m'intéresse, et ce que l'on peut en tirer au moment où nos sentiments ne se comportent pas comme une structure ou un système le veut et comment nous pouvons en tirer de la force et du pouvoir, et comment cela peut nous aider à comprendre qu'il ne s'agit peut-être pas de nous,mais des structures elles-mêmes.
L'idée de Reality or Not : The Film est née d'une série de télé-réalité que j'ai regardé pendant très longtemps et de manière assez obsessionnelle appelée "The Real Housewives". "The Real Housewives" se déroule donc dans différentes villes. Vous avez donc "The Real Housewives" of Beverly Hills, Potomac, New York. La liste est longue. Mais au fil de son visionnage, au cours des dix dernières années, j'ai commencé à remarquer que certains membres du casting, quand une saison commençait, ils pouvaient identifier très rapidement ce qu'allait être leur rôle, qu'il soit décidé par un producteur ou par une l'émission elle-même ou un autre membre de l'équipe. Qui ne venait donc pas d'eux, mais quelque chose qui venait de cette réalité construite, et ils ont commencé à rejeter ces scénarios. Et vous voyez dans le film, en fait, l'un des moments les plus célèbres où cela est arrivé, où l'un des membres dit : "Je refuse l'intrigue". "Cela n'arrivera pas." Et j'ai pensé que ce point de rejet d'une réalité qui vous est imposée était vraiment intéressant à voir à une époque où beaucoup de gens avaient l'impression qu'il n'y avait pas d'autres options. Nous avons accepté cette réalité dominante que nous appelons la vie, et de nombreuses personnes sont frustrées et n'ont pas l'impression d'avoir la possibilité de rejeter la situation. Je me suis intéressée donc pas seulement à cela en tant qu'alternative, mais aussi à la source que cela vienne d'un acteur de télé-réalité qui n'est ni un homme politique, ni un universitaire, qui n'est pas quelqu'un de légitime de contester.
Deux autres sources plus théoriques sont Cruel Optimism de Lauren Berlant. Elle propose l'idée suivante : et si nous pouvions avoir cet optimisme cruel. Un exemple serait la vie américaine, où nous avons ces valeurs que nous respectons et auxquelles nous aspirons, mais que l'optimisme à l'égard de ces choses est précisément ce qui rend les choses mauvaises et qui font que l'on ne se sent pas bien. Et puis une deuxième chose très forte qui m'a donné envie de poursuivre cette idée de produire "Reality" est le livre de Federico Campagna, Magic and Technique. Il y a donc ce passage dans le livre où il parle du théâtre de marionnettes sicilien et de la façon dont le public peut toujours voir le moment où un arrière-plan change et que l'arrière-plan ou la réalité devienne un personnage, et le public commence à anticiper l'arrivée de nouveaux personnages. D'une part, j'ai beaucoup aimé cela parce que je vois les personnages dans les films comme un moyen de parler d'idées et de thèmes vraiment importants, mais aussi cette anticipation d'un nouveau arrière-plan, d'un nouveau contexte, ce qui, à mon avis, n'est plus vraiment quelque chose que nous anticipons encore. Tous les films et installations que je réalise sont très denses de références, et ce ne sont pas des références que je veux ou dont j'ai besoin que les gens sachent. Pour moi, c'est une façon subliminale pour les gens d'avoir un sentiment de familiarité. Et c'est aussi pour cela qu'il est important d'avoir un vrai, un très large éventail de références. Ainsi, même si vous ne connaissez pas la référence, vous pouvez avoir un sentiment de familiarité. Il pourrait s'agir d'une chanson. Eña a donc été un point de référence important pour le film. Et vous rencontrez un hommage ou différentes reprises d'Eña, notamment parce que je pense qu'elle est une formidable musicienne et sur le plan culturel, que la musique a été reléguée dans une catégorie moins sérieuse de "New Age". Et je trouve cela très intéressant, car en fait c'est très puissant. Une autre référence importante est La Commune de Paris. Il s'agissait essentiellement d'une révolution à Paris, où les habitants ont décidé qu'ils ne voulaient plus faire partie de la France, et ils voulaient déclarer Paris comme un territoire à part et former un nouveau gouvernement. Et cela m'a toujours été décrit comme un mouvement de gauche radicale, et je l'ai vraiment idéalisé. Mais plus j'en ai appris sur le sujet et plus j'écoutais et réfléchissais à d'autres choses qui se produisaient à l'époque, comme la révolution algérienne contre les colonisateurs français, j'ai commencé à m'interroger sur les façons. J'ai parlé de l'optimisme cruel de Lauren Berlant que nous avons à l'égard de certaines choses, et peut-être un cruel optimisme que nous avons à l'égard de la gauche ou nos idées établies sur ce qu'est l'Europe, et que cela est devenu une valeur dans la vie quotidienne européenne ou même américaine qu'il ne nous est peut-être plus utile de maintenir. Et puis, je veux dire, il y a tellement, tellement de références. Je pourrais continuer longtemps. Mais je pense qu'au lieu de faire une chasse aux références, je suis toujours, en tant qu'artiste, plus enthousiaste à l'idée de voir ce que les autres voient, parce que parfois, les spectateurs viendront et écriront au studio, et parleront de "Oh, cela m'a vraiment fait penser à ceci, ou bien "Faisiez-vous référence à cela ?". Et parfois, je ne l'étais pas du tout. Cela signifie simplement que cette personne ou ces personnes et moi-même étions juste des personnes qui vivent dans le monde et qui y sont attentives. Et inévitablement, ces références de niche ouvrent la voie à des questions vraiment vastes et importantes que nous nous posons tous.
La proposition de travailler avec un groupe de jeunes était vraiment excitante. C'est venu de la Fondation, mais c'est aussi quelque chose à laquelle j'avais pensé avant, dans le sens où j'avais besoin d'un aspect du projet qui ne pouvait pas être contrôlé. Je pense qu'en tant qu'artiste, il y a une grande responsabilité à contrôler les différents aspects et les éléments d'un projet. Je collabore toujours avec de nombreuses personnes, mais en fin de compte, le projet est sous ma responsabilité. Et je me suis dit que si je parlais de la réalité et aussi de la construction de la réalité pour d'autres personnes, j'avais besoin d'avoir des jeunes qui, pour moi, du moins, la seule façon de travailler avec les jeunes est de leur donner le contrôle et la maîtrise totale de la situation afin qu'il ne s'agisse pas de les inviter à participer au film, mais qu'ils choisissent de faire une intervention dans le film, et je devais vraiment rester flexible et de recevoir cela, quoi que cela signifie, pour du film dans son ensemble qui comportait d'autres mondes que je devais contrôler et guider. Je pense que cela a radicalement changé ma façon d'envisager le travail. Il y avait quelque chose d'incroyablement libérateur, quelque chose de vraiment effrayant à ce sujet d'une certaine manière, de ne pas savoir, mais aussi d'être là, parce que nous avons travaillé ensemble pendant toute une année scolaire, et chaque fois, venir et ne pas pouvoir vraiment anticiper ce qui allait se passait parce que j'étais toujours confronté à 13, à 16 personnes pour lesquelles je me sentais responsable non seulement de leurs besoins, mais aussi de ce qu'ils voulaient. Dans le film, il y a une réplique au milieu d'un monologue qui établit que les mineurs, les enfants et les jeunes ne sont pas des biens. Et je pense que souvent, en particulier au sein des institutions, qu'il y a un sentiment de propriété ou même un besoin de protéger les jeunes, mais qu'il s'agit en fait d'une certaine manière, d'une forme de restriction. Dès le début, j'étais très conscient·e de l'importance de s'assurer en permanence que le projet n'était pas en train de se comporter comme une institution.
Les "Realitarians" dans le film, nous entendons par la voix d'un narrateur qui, nous le comprenons ou non, était leur professeur d'art, qu'elle a eu un jour un groupe d'élèves exceptionnels qui ont été invitées à participer à une émission de télé-réalité américaine à propos de la façon dont elles voulaient vivre ensemble. Et ces jeunes, au cours du film, nous les avons vus ne pas faire de la bonne télévision. Elles décident de prendre cette proposition réellement, sincèrement et sérieusement, et elles commencent une pratique de "shifting", qui est connue des jeunes dans la vie réelle comme un mouvement qui s'est répandu sur TikTok pendant les confinements, pendant la pandémie, où elles changeraient de monde par rapport à leur réalité actuelle à une réalité souhaitée, quelle qu'elle soit. Et à travers ce groupe de jeunes gens, vous découvrirez non seulement des différents mondes mais des personnages différents. Vous rencontrez une ancienne femme au foyer d'Alger qui est aussi une hacker et qui dirige un site d'escroquerie pour obtenir les informations personnelles du président du Fond Monétaire International pour faire tomber ce dernier. Vous rencontrez également une statue qui est furieuse de son statut comme un symbole et décide d'abattre tout le monde symbolique avec elle. Vous rencontrez également un anti-univers générant son propre espace et son temps parce qu'il est toujours important d'avoir cet aspect de l'élément non-humain. Et surtout, les étudiantes sont très influencées par un collectif de "renders" qui sont un groupe d'influenceurs virtuels rejetés, c'est-à-dire qu'ils n'ont jamais réussi à devenir des influenceurs virtuels. Ainsi, ces cyber-humains qui ont déserté du disque dur de l'entreprise et qui ont formé un collectif de travailleurs qui sont contre le temps. C'est très complexe, mais c'est aussi la raison pour laquelle le rôle des "Realitarians" a toujours été de la ramener à quelque chose à laquelle les gens peuvent facilement s'identifier, quelque chose de vraiment réel. Ce sont de vrais jeunes. Les questions qu'ils posent dans le film sont vraiment les leurs. Ce n'était pas du tout scénarisé. Je suis très fièr·e du projet et de ce qu'il a réussi à capturer. C'était honnêtement déjà présent en elles. J'ai hâte que d'autres personnes découvrent une partie de cela.